Aus einem Bild einen KI-Kurzfilm machen – Schritt für Schritt

Das Schwierigste an einem KI-Kurzfilm ist nicht das Material. Es ist die Entscheidung, wie der Film aussieht – und Text-Prompts sind ein denkbar schlechter Ort dafür, weil du die Antwort erst siehst, wenn du einen Clip bezahlt hast. Bilder kosten 10 Credits. Clips beginnen bei 72, und ein normaler Clip mit Motion One kostet 60. Also: in Standbildern entscheiden, dann drehen.

Dieser Workflow beginnt mit einem Bild, das dir wirklich gefällt, und endet mit einem Schnitt, den du veröffentlichen kannst.

Schritt 1 – das Schlüsselbild generieren

Ein Schlüsselbild ist der Frame, der den Film definiert. Meist ist es die Eröffnungseinstellung: der Ort, das Wetter, die Tageszeit, die Farbpalette. Alles andere im Film wird daran gemessen.

Öffne das Tool „Bild“, stell das Seitenverhältnis auf den Film ein, den du vorhast – 16:9 für etwas Kinoreifes, 9:16, wenn es ins Hochformat geht –, und beschreib den Frame in einem einzigen Absatz:

Eine einsame Fischerhütte auf Stelzen über einem stillen grauen See im ersten Licht, weit vom anderen Ufer aus gesehen, Nebel liegt flach auf dem Wasser, im Fenster brennt eine warme Lampe, dahinter verblassen Kiefernkämme in hellen Schichten, ein Ruderboot ist an der Leiter festgemacht, still und kalt und geduldig.

Lass vier Varianten auf einmal rendern. Nutz einen Negativ-Prompt, um herauszuhalten, was du nicht willst. Wenn dich eine davon beim Scrollen innehalten lässt, ist das dein Film.

Drei Bildmodelle stehen zu je 10 Credits zur Verfügung – das fotorealistische Flaggschiff, das Modell für Anime und Illustration und das malerische, das lange, beschreibende Prompts genau umsetzt. Für Key Art ist oft das malerische Modell dasjenige, das einen Absatz wie den obigen belohnt.

Schritt 2 – animieren

Such das Standbild in deiner Bibliothek und klick auf Animieren. Das Bild wird zur Quelle eines Bild-zu-Video-Renders – die Engine startet also von deinem abgenommenen Frame, statt sich einen eigenen auszudenken. Das ist der ganze Trick dieses Workflows: Du bestellst keine Einstellung, sondern Bewegung in einer Einstellung, die dir schon gehört.

Schreib nur Bewegung. Den Frame gibt es schon – beschreib, was sich darin verändert:

Nebel zieht langsam nach links über die Seeoberfläche, während die Lampe im Hüttenfenster einmal flackert, sehr langsame Kamerazufahrt aus der Totalaufnahme auf die Hütte zu, das Ruderboot schaukelt sanft an der Leiter, erstes Licht kriecht dahinter die Kiefernkämme hinauf, geduldige und kalte Stimmung.

Bleib zurückhaltend. Eine fast statische Landschaft mit zwei bewegten Elementen wirkt wie Kino. Dieselbe Landschaft mit einer Kamera, die Turnübungen macht, wirkt wie eine Demo.

Jetzt hast du Einstellung eins – und, noch nützlicher, du weißt, wie Licht und Farbpalette deines Films in Bewegung aussehen.

Schritt 3 – zum Storyboard erweitern

Öffne das Tool „Video“ und wechsle in den Tab „Film“. Der Filmmodus ist ein fortlaufendes Storyboard: Du fügst Szenen nacheinander hinzu, bis zu 12 pro Film, jede wird sofort auf eine Timeline unter dem Composer gerendert, und ein Player für den Zusammenschnitt wächst mit.

Arbeite dich von der Einstellung aus vor, die du schon hast. Eine Struktur mit sechs Szenen, die für fast jeden Kurzfilm funktioniert:

1. Etablieren – dein Schlüsselbild, animiert. Der Ort, bevor jemand darin ist.
2. Ankommen – eine Person betritt die Welt. Weit oder halbnah.
3. Detail – eine Nahaufnahme von dem, worum es im Film eigentlich geht. Hände, ein Gegenstand, ein Gesicht.
4. Wendung – was auch immer sich verändert. Das ist die Szene, die vier Takes verdient.
5. Folge – die Reaktion. Meist die engste Einstellung des Films.
6. Abschied – wieder die Eröffnungseinstellung, aber verändert. Tageszeit, Wetter, ein leerer Stuhl.

Jede Szene bekommt 1 bis 4 Takes. Steck die Takes in die Szenen 4 und 5; gib dem verbindenden Material einen und mach weiter. Szenen lassen sich an Ort und Stelle bearbeiten, neu rendern, umsortieren, duplizieren und löschen, und fehlgeschlagene Renders werden automatisch erstattet – das Storyboard ist also billig umzubauen und nur dann teuer, wenn du zu viel drehst.

Schritt 4 – den Look mit dem Regiepult halten

Konsistenz ist kein Glück, sondern Konfiguration. Das Regiepult – Filmart, Epoche, Tempo, Kamera, Objektiv, Blende, Farbpalette, Licht – fließt serverseitig in jeden Prompt ein. Stell es einmal zu Beginn des Films ein, und es zieht sich durch jede Szene, die du hinzufügst.

Für den Hütten-Film oben: Arthouse · 2010er · Ruhig · 35-mm-Film · Weiches Porträt · f/1.4 · Nostalgisches Blau · Fensterlicht. Diese Kombination hält den Nebel über dem See über sechs Szenen weit zuverlässiger zusammen, als in sechs Prompts dieselben Adjektive zu wiederholen.

Zwei weitere Werkzeuge für Konsistenz, die sich beide lohnen, bevor du sie brauchst:

• Elemente – wiederverwendbare Orte, Objekte und Stile, die du in einem Prompt mit @ erwähnst. Speicher die Hütte als Ort-Element, und jede Szene, die dort spielt, übernimmt dieselbe Beschreibung.
• Charaktere – eine feste Besetzung mit Referenzfotos und einer Stimme, pro Szene besetzt und im Prompt mit @ erwähnt. Ihr Gesicht wandert von Einstellung zu Einstellung mit. Leg sie auf der Seite „Charaktere“ an, bevor du Szene zwei drehst, nicht erst nach Szene fünf.

Schritt 5 – Erzählstimme hinzufügen

Ein Kurzfilm aus sechs Einstellungen ohne Ton ist ein Moodboard. Eine einzige Sprachspur macht einen Film daraus.

Schreib den Erzähltext im Tool „Text“ mit dem Stil „Szene“, der immersive Prosa statt Dialog liefert, und render ihn dann im Tool „Stimme“ – die Flaggschiff-Stimme kostet 3 Credits pro 100 Zeichen, die schnellere 2, und beide geben MP3 aus. Die Zeichensetzung steuert die Betonung, also schreib die Pausen hinein, die du willst: Punkte für Stopps, Gedankenstriche für gehaltene Takte, Fragezeichen für ein Anheben der Stimme.

Halte das Skript kürzer, als du denkst. Fünf Szenen Erzählung über sechs Einstellungen lassen eine Einstellung still, und die stille wird allen am besten gefallen.

Schritt 6 – zusammensetzen und veröffentlichen

Spiel den Zusammenschnitt jedes Mal ab, wenn du eine Szene hinzufügst. Genau darum geht es bei einem fortlaufenden Storyboard: Du bemerkst eine Szene, die nicht passt, solange sie noch billig zu ersetzen ist. Speicher den Entwurf unter „Meine Filme“ und komm später darauf zurück.

Wenn er funktioniert, veröffentliche ihn. Gib dem Film einen Titel und ein Cover – lade eins hoch, nimm einen Frame aus einer gerenderten Szene oder lass das Studio eins generieren –, und er landet im Feed der Community mit Likes, Kommentaren und Aufrufen, während deine Prompts und Einstellungen privat bleiben.

Die Mechanik Szene für Szene erklärt der Leitfaden zum fortlaufenden Storyboard ausführlicher.

Häufige Fragen

Wie viele Szenen kann ein Film haben?

Bis zu 12, jede mit 1 bis 4 Takes. Die Szenenlänge hängt von der Engine und deinem Plan ab – von 3 Sekunden bis zu 30 ab Studio.

Warum mit einem Bild anfangen, statt direkt Szenen zu schreiben?

Kosten und Gewissheit. Ein Bild kostet 10 Credits und ein Clip beginnt bei 60 – du klärst Look, Farbpalette und Bildausschnitt also in Standbildern und gibst Video-Credits dann für Bewegung aus, die du bereits entworfen hast.

Muss das Schlüsselbild im Studio generiert werden?

Nein. Bild-zu-Video akzeptiert jedes Referenzfoto, auch eins, das du hochgeladen hast. Im Studio generiert heißt nur, dass das Rezept mitgespeichert wird.

Ein gutes Bild ist ein Film, der nur darauf wartet, gedreht zu werden. Öffne das Tool „Bild“ – neue Konten starten mit 50 Gratis-Credits.